¡El arte y la arquitectura siempre han sido primos cercanos! Desde la época del Renacimiento de Da Vinci hasta las formas del Starchitect contemporáneo Frank Gehry, el arte parece tejer el viaje de un arquitecto a su edificio moral.
Este artículo arroja luz sobre 10 segmentos que sugieren que las artes visuales ayudan a dar forma a las ideologías de la arquitectura:
Una pizca de prehistoria
Ya sea que se consideren las cuevas como parte del ámbito arquitectónico o no, algunas de las primeras influencias del arte en el entorno construido se pueden ver en las cuevas del Paleolítico.
Chevaux de la Grotte Chauvet (31000 BP) Lieu de la découverte :
Grotte Chauvet, Ardè che, Francia Fecha: 31000 BP (Aurignacian) (fuente: Wikipedia)
Art parié tal (arte rupestre) usó rojos en forma de mineral de hierro, los negros se recuperaron del carbón o el manganeso, los amarillos del óxido de hierro, mientras que la tiza o los huesos y conchas quemados. Dado que estos materiales fueron rescatados naturalmente del mismo suelo del que las cuevas eran un órgano, podemos decir: fragmentos de hábitat se convirtieron en un medio de expresión y viceversa. De esta manera la arquitectura hizo arte y el arte hizo arquitectura.
Los pueblos del Paleolítico representaron bisontes y depredadores, flora y desnudos, mediante una técnica de claroscuro (un método de experimentación que utiliza fuertes matices de oscuridad y luz) mostrando las tradiciones predominantes; impreso en las paredes de cuevas y chozas que alguna vez fueron ocupadas. En ocasiones, los arquitectos patrimoniales también sugieren que las cuevas elegidas como moradas estaban de acuerdo con la cantidad de reverberación y luz, espacios experimentados, para maximizar la acústica y el arte interior .
En el frente oriental, algo de arquitectura parecía haberse utilizado para rendir homenaje a las historias representadas por el arte. Por ejemplo, en el caso de Ajanta y Ellora (que datan del siglo II a. C. hasta aproximadamente el 480 d. C., India), las pinturas al fresco que retratan la vida del Gran Buda encontraron santuario en las elaboradas tallas de estas cuevas en Aurangabad.
¡Tú eres arquitectura!
El Renacimiento (año 1419) fue una época en la que el arte y la arquitectura de Europa empezaron a mirar hacia atrás a los romanos y griegos en busca de inspiración mientras la modificaban según sus necesidades diarias; este fue también el momento en que la gloriosa Capilla Sixtina, el Palazzo Pitti y El Escorial establecieron sus lugares en la plataforma de la ‘arquitectura icónica del mundo’. Los años 1400 y 1500 trajeron inmensas cantidades de talento e innovación, por lo que los arquitectos eran definitivamente, además, también pintores y escultores.
Pocos pioneros de esta época incluyeron a Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Alberti.
Hubo un cambio hacia la ampliación de los límites existentes y la eliminación del estancamiento que se reflejaba tanto en los frentes de las artes visuales como en la arquitectura. Por ejemplo, la cúpula de Brunelleschi de la catedral de Florencia y ‘Lamentation’ de Giotto; aproximación de perspectivas, mayor volumen de figuras, profundidad de la emoción dentro de los sujetos en lugar de iconos estáticos y pasivos.
Las pinturas representaban escenarios ricos o religiosos. Además, a los arquitectos se les encargaba habitualmente el diseño de espacios religiosos como catedrales, basílicas, iglesias y capillas; o villas para los ricos. Estos fueron construidos con simetría y orden, lo que se correspondía directamente con la naturaleza ‘realista’ de las pinturas que se producían.
Curando el cubismo
¿Quién no conoce a Pablo Picasso? Pregúntele a un contador que no sepa mucho sobre cultura visual, puede sugerir el nombre de Picasso al relacionarse con las artes.
El padre del cubismo, Picasso, fue criado en conjunto con un hombre llamado Georges Braque. Se ha dicho que ambos son la razón por la que la arquitectura brutalista y futurista se ve como lo hace. Frank Gehry y Le Corbusier no solo muestran su interés constante por el cubismo en su obra construida, sino también en la teoría.
El cubismo checo o cubo expresionismo (1912-1914) fue el movimiento elemental informado por las obras de los primeros cubistas, aplicado a todos los campos creativos, incluida la arquitectura. Con arquitectura popular como la villa cubista y la Casa de la Virgen Negra en Praga, República Checa, se puede ver un estímulo directo. Además, en Praga también nos encontramos con el edificio rondo cubista de Legiobanka; el nombre sugiere admiración por el movimiento artístico.
En los tiempos modernos y contemporáneos, muchos, incluidos Luis Barragán, Steven Holl y Zaha Hadid, parecen mostrar una transformación visual directa de las imágenes del cubismo en una tremenda arquitectura tridimensional.
Art brut y brutalismo
Inspirado en pinturas hechas por pacientes con enfermedades mentales que muestran pureza creativa, Art brut (o arte crudo) fue encontrado por el artista de ensamblaje Jean Dubuffet durante la década de 1940. Lo que fascinaba a Dubuffet era que los artistas funcionaban completamente fuera de la cultura y la sociedad. El arte brut entraba dentro del amplio espectro del “arte marginal” que rechazaba el medio artístico modernista.
Siguiendo el arte exterior, en algún momento a mediados del siglo XX, mientras la reconstrucción de la posguerra tuvo lugar en Europa del Este, la arquitectura brutalista encontró su nicho influenciado por las ideas socialistas, descartando la estética elegante del modernismo. Dado que el hormigón era económico y fomentaba la construcción rápida, se convirtió en un epítome del utilitarismo.
Sería seguro asumir que, aunque ‘beton brut’ era hormigón en bruto en francés ‘brut’ (o crudeza) en el caso de las artes visuales y la arquitectura en ese entonces, representaba el rechazo de la superioridad social.
¡Surrealista, magnífico!
Arte surrealista destinado a romper las barreras entre los sueños y la realidad. André Breton, el poeta, autor y ensayista que inició este movimiento dijo: “Los objetos que se ven en los sueños deben fabricarse y ponerse a la venta”.
Si eres un fanático de los ‘regalos de Netflix’ que ve Money Heist o un entusiasta del bigote, probablemente conozcas a Salvador Dali, ¡un hombre español de ojos muy abiertos con travesuras de vello facial anti-gravitacional! El surrealista audaz y audaz, infame fue responsable de la idea de una construcción de espacio lleno de muebles que se asemejaban a partes del cuerpo. Esto, cuando se ve con una cierta perspectiva, permitió al espectador ver un ensamblaje de un humano como se ve en la foto de abajo.
El surrealismo también llevó a Endless House de Friedrick Kiesler, quien utilizó conceptos espaciales elásticos. Quería deducir los espacios espaciados que eran capaces de proporcionar soluciones óptimas a las necesidades y problemas sociales en constante cambio.
¡Parece que el surrealismo generó el concepto de sostenibilidad a largo plazo antes de que se convirtiera en una tendencia!
Piet Mondrian
Este es bastante sencillo como se ve en las fotografías de arriba; Las composiciones de Mondrian tienen una traducción literal al entorno construido diseñado por arquitectos o diseñadores. Desde el movimiento holandés De Stijl, su trabajo ha causado (y sigue causando) ondas en el campo de la arquitectura.
¿Por qué eso se debe quizás a los fenómenos simplistas y de colores primarios de Piet Mondrian? Aunque las influencias se pueden ver en las obras de los minimalistas a un ritmo mayor, pero sus composiciones permiten acomodar diferentes filosofías. Pueden verse como una yuxtaposición de formas en planta, una compilación de / sobre elevaciones o incluso rutas de acceso para traducir como un alfabeto en constante transformación para formar el lenguaje.
El cuento oriental
Uno esperaría que Venecia en Italia tuviera un esquema de arquitectura cliché con bóvedas y columnas que reflejan el estilo clásico del edificio, tal como la mayor parte de Europa ha visto a lo largo de los años. Pero muchos estudiosos sugieren que el arte islámico ha jugado un papel muy importante en la configuración de la arquitectura veneciana.
Una ciudad construida cerca del agua, un poder geopolítico, era una importante ruta comercial entre el oeste y el este; específicamente el Mediterráneo. Junto con los productos, los comerciantes trajeron destellos del arte islámico, incluidos aspectos de la ornamentación en las fachadas de los edificios, que se encuentra solo en Venecia. Conocido como el “modo oriental”, los artistas venecianos exhibieron figuras musulmanas a gran escala; y en los siglos XVIII y XIX, el arte islámico se había expandido considerablemente en palacios e iglesias. Estas influencias se pueden ver en edificios como la fachada del Palacio Ducal (1400) en la Plaza de San Marcos.
Actos feministas dispersos
Dado que, en el campo del arte y la arquitectura, a las mujeres no se les da tanto espacio como la proporción 50-50 que tienen mientras están en la plataforma de graduación; es importante tomar nota de su gloria en las artes visuales y, a su vez, en la arquitectura.
El feminismo comenzó como una forma para que las mujeres artistas pidieran el mismo pedestal que se les dio a los artistas blancos en algún momento alrededor de mediados del siglo XIX; durante el mismo tiempo sobre qué derechos civiles, así como los derechos de las lesbianas, gays, estaban en camino de expresar su postura. Los primeros artistas en mostrar prominencia en la industria fueron Louise Bourgeois y Eva Hesse. Alejándose del modernismo, abrazando el arte de la performance, vio obstáculos y celebraciones, así como fragmentación / evolución hacia el ciberfeminismo, el feminismo posmoderno, etc.
En arquitectura, surge del mismo lugar y espacio (¡o podemos decir, la falta de ellos!) Que las artes, adoptando un enfoque feminista al tiempo que desafía las formas tradicionales de vivir una familia. Diseñar estrategias como la introducción de muros móviles, para evitar las barreras de aislamiento entre los miembros de la familia; además de romper las fronteras urbanas entre arquitectura y decoración.
El movimiento fue dirigido por una arquitecta llamada Eileen Gary, pero sin embargo no se limitó a un género singular, ya que arquitectos masculinos como Le Corbusier y Adolf Loos tuvieron su arquitectura reexaminada de acuerdo con las teorías feministas.
Forma de arte de la danza
Una forma de arte visual pero técnico de postura, postura, ritmo, secuencia, movimiento y drama: ¿estamos describiendo los fundamentos de la danza o la arquitectura? Pintura, escultura, moda, música: casi todas las formas de arte han logrado plasmar sus principios en el dominio sincero del entorno construido. La danza no es una excepción; ambos involucran un cuerpo que se mueve en el espacio a lo largo del tiempo para crear una experiencia sensorial magnum. Ambos tienen cualidades espaciales proyectadas sobre un cuerpo. Ambos van más allá de definir lo que uno significa para otro.
La arquitectura para estudios de ballet, teatros y óperas es bastante común. La acústica, la iluminación y la configuración del escenario han recorrido un largo camino desde que Mozart fue el centro del escenario; con los diseñadores Ez Devlin y Oana Stenescu a cargo de las giras de Kanye West. Pero, ¿de qué manera la danza puede cambiar las ideologías de la arquitectura?
Según un artículo llamado Body in Space de la prensa del MIT, la danza encarna actos como reunión, pero más que eso, una reunión ritual para celebrar un evento de emoción y espíritu compartido que es de suma importancia al diseñar para el público. Para espacios como mercados y baños, comprender la esencia de esta forma de arte podría cambiar el paisaje urbano.
¡Y luego siempre hay un edificio Gehry!
La cultura contemporánea
¿Qué podría ser más contemporáneo que Gehry, que ya se menciona en multitudes? ¡Pero confía en nosotros para dejar las partes más desapercibidas de la arquitectura para el final!
La cultura contemporánea puede equipararse a la cultura de consumo; con Instagram a la cabeza, Will Rogers cita “Demasiadas personas gastan dinero que no han ganado para comprar cosas que no quieren impresionar a las personas que no les gustan” no puede ser más cierto Si bien, este consumismo puede parecer una acusación clavada únicamente en las tiendas minoristas, estas están muy inflamadas por la arquitectura en la que se sientan los minoristas.
YSL lanzó recientemente una colección con el artista Jeff Koons . Esta no sería su primera colección, Koons también ha ayudado a diseñar instalaciones para el escaparate estratégicamente diseñadas para la esquina más concurrida del centro minorista australiano de la calle Pitt Street. Del mismo modo, Maison Hermés en Tokio es una fachada monumental cargada de vidrio con Renzo Piano dirigiendo el escaparate con su tecnología innovadora para que resista terremotos independientemente de la frágil materialidad que posea.
Al igual que durante el Renacimiento, ricos como Medici encargarían a artistas; hoy, son las marcas de renombre las que trabajan en colaboración con los artistas.
Ahora surge la pregunta: ¿aumenta, en este caso, el arte dentro de las tiendas, promoviendo la arquitectura, o sería la arquitectura, aquí, la razón por la que el arte se celebra con tanta grandeza? Cualquiera que sea el caso, es inherente que incluso cuando el comercio minorista se intercala entre ambos, el arte y la arquitectura son inseparables; siempre arrojándose luz unos a otros.
